Les bases :
Drone
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Ne jamais régler son drone en mode automatique.
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Réglez la balance des blancs en manuel (généralement à 5600K – lumière du jour) : c’est très important pour éviter les variations de couleurs.
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Réglez la nacelle entre 5 et 7 en général. Testez selon votre style pour obtenir des plans plus fluides.
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Gardez vos ISO au minimum, selon la luminosité extérieure.
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Adaptez votre vitesse d’obturation : elle doit être le double de vos IPS (images par seconde), selon le contexte de votre scène.
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Activez les aides à l’exposition (zébrures, histogramme…) pour éviter une image surexposée.
- Affichez la règle des tiers pour mieux composer vos cadres.
Timelapse en drone
Des photos par intervalle, c’est-à-dire une série de clichés pris successivement avec un délai précis entre chaque prise.
Cela permet, comme dans cet exemple, de visualiser l’accélération des nuages et le déplacement des rayons du soleil à travers le ciel.
Le triangle d’exposition
Les règles de base
Ouverture du diaphragme
L’ouverture est un paramètre essentiel en photo : elle permet de contrôler à la fois la profondeur de champ (le flou ou la netteté en arrière-plan) et la luminosité de votre image. Elle est exprimée par la lettre f, suivie d’un chiffre (ex. f/2.8, f/8…).
👉 Si vous aimez faire du portrait et souhaitez obtenir un joli flou artistique en arrière-plan, optez pour une petite valeur d’ouverture (ex. f/1.8 ou f/2.8).
Plus le chiffre est petit, plus le diaphragme s’ouvre, plus la lumière entre et plus la profondeur de champ est faible.
👉 À l’inverse, si vous voulez que toute votre image soit nette, du premier au second plan, choisissez une valeur plus grande (ex. f/8 ou f/11). Cela réduira la quantité de lumière, mais augmentera la zone de netteté.
Les règles de base
Vitesse d’obturation
La vitesse d’obturation (ou shutter speed en anglais), comme par exemple 1/100 s (un centième de seconde), permet de gérer le flou de mouvement (motion blur).
👉 Plus la vitesse est rapide, moins de lumière entre, mais cela permet de figer les mouvements.
Par exemple, si vous photographiez un sujet en mouvement rapide (comme un animal, un sportif ou une voiture), il faudra utiliser une vitesse élevée, comme 1/600 s ou plus.
👉 À l’inverse, si vous voulez jouer avec les effets de filé ou de pause longue, vous devrez utiliser une vitesse plus lente (ex. 1 seconde, 2 secondes ou plus).
Dans ce cas, il est indispensable que l’appareil reste immobile (avec un trépied par exemple), sinon l’image sera floue à cause des micro-mouvements.
Les règles de base
ISO
La sensibilité du capteur, aussi appelée ISO, correspond à la sensibilité à la lumière — autrefois celle des pellicules, aujourd’hui celle des capteurs numériques.
Elle vous permet de mieux contrôler l’exposition de votre photo, c’est-à-dire la quantité de lumière captée.
👉 Plus la valeur ISO est basse (ex. 100 ou 200), meilleure sera la qualité de l’image, avec un rendu propre et sans bruit.
👉 En revanche, plus vous augmentez les ISO, plus le capteur devient sensible à la lumière… mais cela se fait souvent au détriment de la qualité, avec l’apparition de bruit numérique (ce grain disgracieux, comme si une fine couche de sable recouvrait votre image).
Il est donc préférable de toujours garder les ISO les plus bas possibles, sauf si la scène est trop sombre ou que vous ne pouvez pas compenser avec l’ouverture ou la vitesse.
Le schéma simplifié d’un appareil photo
Sur un appareil hybride (mirrorless en anglais), comme son nom l’indique, il n’y a pas de miroir comme sur les reflex.
À la place, c’est un viseur électronique (un petit écran intégré) qui vous permet de voir en temps réel ce que capte le capteur.
L’avantage ? Vous pouvez même ajuster vos réglages (exposition, balance des blancs, etc.) sans décoller votre œil du viseur, ce qui est très pratique sur le terrain.
Voici un schéma simplifié permettant de visualiser le chemin de la lumière dans un appareil DSLR (Reflex) :
La lumière entre par l’objectif, passe à travers le diaphragme et l’obturateur, puis est réfléchie par un miroir vers le pentaprisme, pour enfin arriver jusqu’au viseur optique.
C’est ce mécanisme de miroir qui distingue les reflex des appareils hybrides, où ce miroir est absent.
La règle des tiers
La règle des tiers, c’est un principe simple mais très efficace pour créer une belle composition qui attire naturellement l’œil humain.
Imaginez que votre image soit divisée en neuf zones égales, à l’aide de deux lignes horizontales et deux lignes verticales équidistantes : ce sont les fameuses lignes des tiers.
Les points d’intersection entre ces lignes sont appelés points forts. Ce sont des zones stratégiques dans l’image où l’œil se pose instinctivement.
👉 Lorsque vous prenez une photo (ou filmez une vidéo), activez cette grille dans les réglages de votre appareil, puis placez l’horizon sur l’une des lignes, et positionnez les éléments clés (personnages, objets, yeux…) sur ces points forts.
Cela rendra votre composition plus équilibrée, plus harmonieuse, et souvent bien plus percutante visuellement.
Soyez créatif
dans vos photos
La photographie avec une lensball (balle de verre) est une pratique originale et ludique, qui peut donner des résultats vraiment surprenants.
On en trouve facilement un peu partout, il ne vous reste plus qu’à laisser parler votre créativité, que ce soit dans la composition, les reflets ou l’originalité des angles.
Alors, à vos appareils photo… et montrez-moi ce que vous êtes capables de créer !
Drone
les photos aériennes
Le décord
La composition
La symétrie
Le premier et le second plan !
Comment sublimer une image et sortir du lot ?
Si vous ne voulez pas faire « comme tout le monde », c’est-à-dire capturer une photo classique d’un paysage quelconque, alors il faut aller plus loin que le simple déclic.
Commencez par cibler votre lieu, puis imaginez la photo que vous aimeriez créer.
L’idée, c’est de vous détacher de la masse, de ne pas photographier depuis le même angle ou au même endroit que tout le monde.
🎨 Une bonne astuce pour renforcer l’impact visuel, c’est de jouer avec le premier et le second plan.
Que le premier plan soit flou ou net, peu importe : l’essentiel, c’est de développer une approche artistique et de créer une image qui vous ressemble.
📸 Sur la photo en arrière-plan, par exemple, j’ai choisi de mettre en valeur la chaîne montagneuse à l’arrière-plan.
Pour cela, j’ai utilisé l’alignement des rochers au premier plan, parfaitement positionnés à la hauteur de l’horizon. Le résultat ? Une jolie profondeur de champ naturelle.
Et parfois, en inversant cette logique, on peut obtenir des résultats tout aussi intéressants — comme sur la photo juste ci-dessous, que je vous laisse découvrir…
🧠 Alors, la prochaine fois que vous capturez un paysage, posez-vous la question :
Comment puis-je le valoriser autrement ?
Cette fois-ci, c’est le premier plan qui est net, et l’arrière-plan flou, ce qui donne à l’image une tout autre dimension, plus intimiste et artistique.
Quelques vidéos utile pour vous
Des réglages utiles pour de meilleures images
Certaines choses à savoir en vidéo
Une autre façon de faire des photos
Apprendre à être créatif
On le sait, dans le monde du cinéma, la transition la plus utilisée et la plus connue reste le célèbre « CUT ».
Simple en apparence, mais lorsqu’il est bien raccordé à un plan suivant avec une vraie logique narrative, il peut avoir un impact énorme.
🎬 Prenez par exemple cette scène mythique dans Mission Impossible, où Tom Cruise est accroché à un immense gratte-ciel vitré avec des ventouses.
Au moment où il glisse, le cut est immédiat : on passe directement à un gros plan de sa main qui parvient à se rattraper.
👉 Résultat : tension, fluidité, efficacité. C’est ce genre de raccord qui, selon moi, « envoie du lourd ».
Mais parlons maintenant des 5 transitions que je vous propose dans cette vidéo.
On retrouve souvent dans les films des effets de masking bien pensés — et ici, vous allez en découvrir 1 ou 2 plutôt sympas à reproduire, et surtout très simples à mettre en œuvre.
⚠️ Petit conseil : trop de transitions tue la transition. Soyez toujours stratégiques et judicieux dans leur utilisation. 😄